top of page

 

Ребёнок идёт в музыкальную школу. 

Какой инструмент выбрать?

Статья предназначена не только для музыкантов, но и, главным образом, для тех, кто собирается отдать ребёнка на обучение в музыкальную школу. Предлагаю в решении вопроса о выборе инструмента, на котором ребёнок будет играть, руководствоваться логикой и здравым смыслом. К сожалению, чаще происходит по-другому...

Итак, что должны знать родители при определении своего чада в музшколу? Главная задача - развить у ребёнка музыкальный слух, чтобы малыш мог научиться понимать язык музыки. Как эта задача реализуется при занятиях на различных музыкальных инструментах?

Почему-то всегда самым модным считалось фортепиано. В музыкальных училищах на 20 пианисток выпускался 1 скрипач, и этим пианисткам тоже надо было кого-то учить... Что же даёт этот прекрасный инструмент тому, кто начинает с него свой путь в музыке? Какие органы чувств развиваются? А вот какие - зрение и осязание! Что нужно, чтобы из рояля возник звук? Посмотреть в нотный текст, понять, какую надо взять ноту, посмотреть на клавиатуру, найти эту ноту, и, наконец, нажать пальцем на соответствующую ноте клавишу. Вот и всё! А слух при этом если и работает, то пассивно. Активно слух работал у того настройщика, который это пианино недавно настраивал. Хорошо, если недавно. Но далеко не во всех школах инструменты идеально настроены, да и родители приглашают настройщика домой не так часто, как необходимо. Мало того, что слух не развивается, при игре на расстроенном инструменте он ещё и портится!

А при игре на скрипке к работе зрения и осязания добавляется и работа слуха. Если палец левой руки скрипача перемещается хотя бы на долю миллиметра, высота звука меняется. Ухо постоянно должно работать, осуществляя контроль, в противном случае нота будет фальшивой. (Меня всегда удивляет, когда педагог-пианист делает ученику замечание - "Ты сыграл фальшиво." На фортепиано сыграть фальшиво невозможно! Можно только промахнуться мимо клавиши...)

Скрипачу доступны более тонкие звуко-высотные градации: на фортепиано, например, ре-диез и ми-бемоль - одна и та же клавиша, а у скрипача - это две разные ноты! Не удивительно, что любой скрипач может играть на фортепиано. А пианист сыграет на скрипке?

Не хочу обидеть пианистов. У некоторых из них слух очень развит. Но развился он у них не посредством упражнений на фортепиано. И скрипка - хороший, но не единственный вариант. Человеческий голос (вокал, пение) - тоже инструмент, развивающий слух. Надо отметить, что в системе музыкального обучения специально предусмотрена дисциплина для развития слуха - сольфеджио, но что такое 1-2 часа в неделю? Ведь основную часть времени, затрачиваемого на обучение, учащийся занимается на инструменте...

Вот, вкратце, самая общая информация о выборе инструмента для занятий музыкой. Думаю, вышеизложенного достаточно, чтобы даже далёкий от музыки человек смог самостоятельно принимать решения. Надеюсь, те, кто прочитает эту статью, сделают правильный выбор...

 

Настоящая история скрипки

 

Посмотрим на фреску из северной башни киевского Софийского Собора начала XI века. На ней - скоморох, играющий на инструменте, который вполне мог быть прародителем скрипки. В западноевропейских странах в это время играли лишь на щипковых и духовых. Обратим внимание на прямой смычок и прижатый к плечу инструмент. До этого ни в одной культуре мира так не играли. Инструмент располагали на коленях, держали вертикально, но нигде и никогда не держали его так, как держат его современные скрипачи и русский скоморох на древней фреске. А самые ранние изображения такой скрипки с таким смычком в Италии - относятся к XVI веку. До этого все пользовались дугообразным смычком. Кроме того, древнерусские прародители скрипки имели квинтовый строй, что тоже говорит в их пользу.
 

У славянских народов было много похожих инструментов - смык, гудок, скрипель, скрыпица и т. д. Куда же они вдруг исчезли? Почему их исчезновение на Руси предшествует появлению скрипки в Италии? Как так случилось, что русскими народными инструментами стали считать балалайку и гармонь, появившиеся только в XVIII веке?

Начиная с конца XV века тогдашние власти начинают серьёзную борьбу со скоморохами, победу в которой в 1648 году царь Алексей Михайлович ознаменовал указом, в котором говорится: “А где объявятся домры, и сурны, и гудки, и хари, и всякие гудебные бесовские сосуды, то все велеть вынимать и, изломав те бесовские игры, велеть сжечь”. Скоморохам пришлось искать пристанище в других странах, русские пра-скрипки не появляются в исторических документах, потому как исключаются из быта власть имущих, оставаясь в ходу только среди простого народа. Время было такое. Можно, конечно, посожалеть о том, что не в меру рьяным защитникам Веры не пришло в голову бороться именно с язычеством, а не с инструментами, посредством которых можно, между прочим, и Единого Бога славить - это ведь зависит от того, что в голове у исполнителя. Однако - всё относительно. В "цивилизованной" западной Европе в те времена вовсю гуляла Инквизиция, и на кострах жгли не музыкальные инструменты, а людей...

А вот Пётр I гудошников любил, брал на службу, платил неплохие деньги, крестил их детей и гулял на их свадьбах... Вообще, на Руси и в других славянских государствах (как, впрочем, и во многих других неславянских культурах) традиционно без скрипача на свадьбе не обходились...

Однако скрипка, усовершенствованная итальянцами, вскоре возвращается туда, откуда вышла. Со второй половины XVIII века в России появляется плеяда блестящих скрипачей-виртуозов. Хандошкин, Рачинский, Семёнов, Поляков, Львов, Дмитриев-Свечин, Щепин, Афанасьев и др. были известны далеко за пределами нашей страны.

А если захочется изучить историю скрипки подробней - рекомендую прочесть:

·         И. Ямпольский - Русское скрипичное искусство: очерки и материалы. — М., 1951

·         Г. Анфилов - Соперники Страдивари - журнал "Знание - сила", №2, 1961

Да и в интернете можно много чего интересного нарыть. Стоит только захотеть...

P. S. К сожалению, до сих пор не потеряли актуальность слова И. Ямпольского, написанные более полувека назад:
"Нужно решительно отвергнуть различные версии ... о якобы несамостоятельном характере русской скрипичной школы, о том, будто история русского скрипичного искусства начинается с открытия консерваторий, что до этого времени национальной скрипичной культуры в России вообще не существовало. Эти версии распространялись для того, чтобы скрыть действительные достижения русского музыкального искусства, его влияние на мировую музыкальную культуру... ... Извращая подлинную историю русской музыкальной культуры, подобные измышления сеяли неверие в творческие силы русского народа и порождали пренебрежительное отношение к деятельности и творчеству отечественных музыкантов."

 

 

Абсолютный Слух

 

Как много мифов и заблуждений на свете! А в музыкальной сфере - вообще пруд пруди.

Один из них - миф об абсолютном слухе. Не раз приходилось объяснять, спорить, доказывать. Надоело, пора уж написать об этом, чтоб потом не тратить время попусту, а просто - посылать. Посылать пройти по ссылочке и прочитать нижеследующее.

Миф этот настолько распространен, что часто люди, желая сделать комплимент, с придыханием спрашивают: - "Вы так здорово играете. У вас, наверное, абсолютный слух?"

Пора внести ясность. Абсолютный слух - тяжелая патология. Обычно встречается у пианистов (мне попадались такие), постоянно привязанных к 440 Гц. (Если настройщики нормально работают). :) Это профессиональная болезнь, сильно осложняющая жизнь своему обладателю.

Гораздо чаще музыканты просто "колотят понты":
     - "Вы знаете, у меня ведь абсолютный!" 

Некоторые вообще доходят до полного, абсолютного маразма, утверждая, что у них "врожденный абсолютный слух"!!!

Чтобы понять, насколько смешны и нелепы эти заявления, достаточно принять во внимание всего лишь пару моментов:

момент исторический - нота "ля" 300 лет назад звучала гораздо ниже, затем - постепенно повышалась;

момент географический - в некоторых странах другой стандарт "ля" - 435 Гц, а в некоторых залах Америки - рояли наоборот, настраивают выше.

Абсолютный слух - развивается в результате привязки звуковысотной системы к определённой частоте - например, 440 Гц. Это несчастные люди. Попадая в какую-нить школу или клуб с расстроенным ф-но, они испытывают реальные физические мучения. Но таких людей, слава Богу, не так уж много. Гораздо больше понтярщиков (-щиц), идя на поводу у распространённого заблуждения, повсюду спешащих гордо заявить - "я - абсолютник (-ница)".

Всё просто. :)

Нормальный музыкант имеет относительный слух и способен моментально построить звуковысотную систему от любой "ля" и комфортно себя в этой системе ощущать. Вот и всё. Остальное - от сами знаете кого...

Есть ещё гармонический, мелодический и пр. виды слуха - но это уже другие, действительно серьёзные и большие темы, осветить которые в этом маленьком тексте нереально. Но для того, чтобы с "абсолютниками" всё стало ясно - достаточно и вышеизложенного. ;-)

 

Никколо Паганини


Никколо Паганини (Niccolo Paganini, 1782–1840) - итальянский скрипач и композитор. Имя Паганини овеяно всяческими легендами, слухами, иногда абсолютно несуразными - ведь писали о нём (и сейчас пишут) часто не музыканты, что-либо понимающие в скрипичном искусстве, а довольно далёкие от музыки, но при этом весьма "романтичные" натуры. В результате сегодня мы имеем массу противоречивой информации, которую никак нельзя ни подтвердить, ни опровергнуть.

Не стану приводить здесь массу хрестоматийных сведений о Коле Паганини, однако - призову и к ним относиться с осторожностью. Ведь всё это писали люди... :-)

Утверждать однозначно можно только то, что этот человек революционно развил технику скрипичного исполнительства и оставил после себя довольно значительное музыкально-нотное наследие.

К сожалению, в те времена магнитофонов не было, и мы никогда не узнаем, как в реальности звучали эти произведения. Полагаться же на устные (или письменные) свидетельства современников не стоит, ибо музыку надо только слушать, словами её не перескажешь... :-)

Связывание имени Паганини с "дявольщиной" - вообще просто чушь, ведь кроме Паганини на тогдашнем "музыкальном рынке" было ещё немало скрипачей - хороших и плохих, но - не таких блистательных, как Паганини. Так что, откуда растут "рога" - совершенно очевидно.

На имени Паганини спекулируют и по сей день. То - какая-нить газетка сообщит о находке неизвестной рукописи великого маэстро, то - телеканальчик какой-нить покажет именно ту, "настоящую" скрипку Паганини.

 

 

 

Иоганн Себастьян Бах - (Johann Sebastian Bach, 1685-1750) - немецкий скрипач и композитор. С детских лет он обучался игре на скрипке у своего папы - тоже, понятное дело, - Баха, и тоже, естественно, - скрипача. ;-) Это отложило неизгладимый отпечаток на всё дальнейшее творчество Баха в органной, хоровой и пр. музыке. Так мыслить может только скрипач. И тот же орган был для него эдаким "суррогатом струнного оркестра", на котором можно было играть одному, не тратя время на выписку нотных партий другим музыкантам (да и бумага тогда недешево стоила, да плюс перья гусиные...). Большому музыканту, ему хотелось реализовать различные творческие потенции - не только писать ноты для различных составов, но и импровизировать самому. Ведь старинное искусство прелюдирования, довольно распространенное во времена Баха - такая же импровизационная музыка, как сегодняшний джаз, рок и др, только с некими другими формальными правилами... Но так как музыканты вокруг были, в большинстве своем, - нотники, - поджемовать маэстро было не с кем. А секвенсеров, мультитрекеров и т. п. - не было тогда, вот и приходилось довольствоваться всего лишь самостоятельным общением с органом...

Да, ещё Бах был большим любителем пошутить.

Антонио Вивальди

Антонио Вивальди (Antonio Lucio Vivaldi, 1678 - 1741) — итальянский скрипач и композитор. Учился играть на скрипке у своего папы - скрипача Джованни Баттисты Вивальди. Сегодня для нас Вивальди - это концерты дляскрипки, которые мы играли в муз. школе, это создатель музыки, с которой начинается воспитание хорошего вкуса, а ведь не так давно этот гений был абсолютно забыт...

Вивальди - создатель жанра сольного инструментального концерта, который послужил мощнейшим толчком к развитию виртуозной скрипичной техники, без которого просто не было бы появившейся вскоре целой плеяды блестящих скрипачей-виртуозов.

Мало кто вспоминает, что Вивальди был священником. Это очень ярко чувствуется в его произведениях. Творчество Вивальди - яркий образец того, куда должна звать слушателя музыка. Не зря И.-С. Бах так высоко ценил Вивальди, учился по его произведениям и затем воплощал приобретенный опыт в своей музыке.

И сегодня творчество Вивальди вдохновляет современных музыкантов на смелые эксперименты

Вольфганг Амадей Моцарт

Вольфганг Амадей Моцарт (Wolfgang Amadeus Mozart, 1756–1791) - австрийский скрипач и композитор. Скрипказнакома ему была с пелёнок. С трёх лет ему давал уроки его папа - Леопольд, один из лучших педагогов того времени, что и определило блестящее музыкальное будущее Вольфганга.

Сегодня мы бы назвали его "самым успешным попсовиком своего времени", что, к сожалению, не принесло ему достойного прижизненного существования. И сегодня он остается одним из самых популярных авторов - чего стоит только немерянное количество мобилок, из которых звучит 40-я симфония...

Почему-то, думая о Моцарте - хочется сказать о другом скрипаче, уже современном. Это - Жиль Апап. Забыли мы, как должен играть каденцию в концерте скрипач-солист... Сегодня это правильно делает только Жиль, остальные тоскливо переигрывают выписанные нотками каденции мэтров - Ойстраха и пр.... Вообще, как им всем не скучно? Искрящаяся радость живого создания музыки никак не совмещается с этими грустными дядями и тётями... Каденций от скрипачей требовали и Гендель, и Бах, а Вивальди, Моцарт, Тартини и др . - сами виртуозно исполняли каденции и импровизировали.

Впрочем, есть и сегодня педагоги-энтузиасты, такие как Г. В. Аракелов, который с 1999 года ввел в музколледже для скрипачей предмет "Импровизация", на котором его студенты учатся самостоятельно сочинять каденции для концертов, импровизировать и т. д., но это - явление исключительное и никак не характерное для нашей унылой системы музыкального образования...

Так давайте же, друзья, научимся, наконец, ценить то новое, настоящее, прекрасное, что рождается рядом с нами, и не дожидаться, пока это признают потомки! 

 Секреты Моцарта

 Представьте совершенно, казалось бы, невероятную для России ситуацию. Вы пришли на приём к терапевту по поводу, скажем, вегето-сосудистой дистонии. Проведя все необходимые обследования, врач вручает вам рецепт. Взглянув на него, вы оторопело переводите взгляд на врача.

"Моцарт" бормочете вы. "Моцарт" подтверждает врач. Собственно, в рецепте так и написано: "Моцарт. 2 раза в день по 1часу".

"Бред какой-то", скажете вы. Ничего подобного. Музыка испокон веков ценилась мудрыми врачами как целительное средство. В Китае, например, можно обнаружить в аптеках музыкальные альбомы пластинки или кассеты с названиями "Пищеварение", "Бессонница", "Печень", "Почки"

Примерно то же самое существует в Японии, в Индии. Однако потрясающий врачующий эффект музыки Моцарта открыт недавно и целиком ещё не объяснен.

Пока что ясно одно: музыка Вольфганга Амадея Моцарта по своей целительной силе значительно превосходит все прочие музыкальные произведения. Послушайте одну из удивительных историй из жизни знаменитого французского актера Жерара Депардье, обошедшую в своё время многие западные издания.

                                                                                                    Заика Депардье

Поклонники великого французского актёра, конечно же, обратили внимание на удивительные вибрации его голоса. Однако известно, что в середине 60-х Жерар был абсолютно косноязычным молодым человеком, не способным в силу ещё и заикания довести до конца ни одного предложения.

Изучающие творчество актёра объясняют ситуацию семейными неурядицами, личными неудачами, низкой самооценкой и проблемами с получением образования. Единственное, что в ту пору несомненно отличало Депардье, это страстное желание стать актером.

Наставник Депардье по актёрскому мастерству отправил Жерара в Париж к весьма известному врачу Альфреду Томатису доктору медицинских наук, посвятившему много лет изучению целительного эффекта музыки и особенно произведений Моцарта.

Томатис определил, что причина голосовых срывов и проблем с памятью у Депардье лежит глубже его чисто физиологических трудностей в эмоциональной сфере, и пообещал помочь ему.

Депардье спросил, что будет входить в курс лечения: операция, лекарственные средства или психотерапия. Томатис ответил: "Я хочу, чтобы вы приходили ко мне в лечебницу каждый день на два часа в течение нескольких недель и слушали Моцарта".

"Моцарта" переспросил озадаченный Депардье.

"Моцарта", подтвердил Томатис.

Уже на следующий день Депардье пришёл в центр Томатиса, чтобы надеть наушники и слушать музыку великого композитора. Через несколько "музыкальных процедур" он почувствовал значительное улучшение в своём состоянии. У него наладился аппетит и сон, он ощутил прилив энергии.

Вскоре его речь приобрела большую отчётливость. Спустя несколько месяцев Депардье вернулся в актёрскую школу по-новому уверенным в себе и, окончив её, стал одним из актеров, выразивших своё поколение.

"До Томатиса, вспоминает Депардье, я не мог довести до конца ни одного предложения. Он помог придать завершённость моим мыслям, научил меня синтезу и пониманию самого процесса мышления".

Практика снова и снова убеждала Томатиса в том, что, какими бы ни были личные вкусы и отношение к композитору каждого конкретного слушателя, музыка Моцарта неизменно успокаивала пациента, улучшала его пространственное представление и позволяла более ясно выражать себя.

Почему музыка лечит?

Прежде давайте ответим на вопрос: а что такое звук? Конечно же, вибрация. О значении вибраций говорили ещё Митио и Авелин Куси на своих знаменитых лекциях по макробиотике, прочитанных в Париже в 1978 году. В частности, супруги указывали на очистительные способности вибраций, которые возникают при пении сочетания "АУ-М".

"Пойте это 5, 6, 7 раз подряд на продолжительном выдохе по нескольку раз в день. Данная вибрация не только очищает, но и устанавливает гармонию между всеми вашими внутренними органами. Затем таким же образом пропойте слог "Ла " Он устанавливает гармонию между вами и окружающим миром ".

В 78-м подобные заявления супругов казались большинству бредом сивой кобылы. Однако сегодня взгляды круто изменились. Во многом заслуга здесь принадлежит швейцарскому врачу и инженеру Гансу Дженни, который объяснил и показал, как звуки могут воздействовать на предметы.

Он проводил опыты с кристаллами, жидкими газами при участии электрических импульсов и вибраций и обнаружил, что именно звуковые вибрации создают незавершённые, постоянно меняющиеся геометрические фигуры.

Нетрудно представить себе, насколько заметно воздействие звука на клетки, органы и ткани живого организма. Вибрация звуков создаёт энергетические поля, производящие резонанс и движение в окружающем пространстве. Мы поглощаем энергию, и она меняет ритм нашего дыхания, пульс, кровяное давление, напряжение мышц, температуру кожи и так далее.

 

Открытия Дженни помогают понять, каким образом музыка меняет наше настроение, состояние и даже форму органов. Работы Линди Роджерс, музыканта и социолога из НьюЙорка, показали, что вибрация, рождаемая музыкой, может оказывать и благотворное влияние на пациента, и негативное, если неправильно подобрана.

Изучив, например, способность к восприятию музыки пациентов, находящихся под наркозом во время операции, она сделала вывод: "Мы никогда не перестаём слышать".

Почему именно Моцарт?

Но почему именно Моцарт? Почему не Бах, не Бетховен, не Битлз? Моцарт не создавал ошеломляющих эффектов, на которые был способен математический гений Баха. Его музыка не взметает волны эмоций подобно произведениям Бетховена.

Она не расслабляет тело подобно народным мелодиям и не приводит его в движение под влиянием музыки "звёзд" рока. Так в чём же тогда дело? Наверное, в том, что Моцарт остаётся и загадочным, и доступным. Его ум, очарование и простота делают нас мудрее.

Многим музыка Моцарта помогает обрести душевное равновесие. Если она восстанавливает энергетический баланс и гармонию в организме, то выполняет функцию, к которой стремятся все медицинские системы.

Акупунктура, траволечение, диетология и прочие методы направлены именно на восстановление энергетического равновесия, которое мы и называем здоровьем.

Музыка Моцарта, не слишком плавная, не слишком быстрая, не слишком тихая, не слишком громкая по каким-то причинам "именно то, что надо".

Музыкальные ритмы, как известно, влияют на ритмы нервной системы, которые регулируют обширный биологический пейзаж внутри нашего организма. Нетрудно понять поэтому, как важна простота и ясность музыки Моцарта для наших эмоций и для всего организма в целом.

Можно уподобить эффект от музыки различных композиторов действию различных блюд, которые также оказывают влияние на нашу энергетику и физиологию и могут быть и благотворными, и вредоносными.

Кстати, отметим, что деликатесы далеко не всегда оказываются самыми полезными блюдами. Иногда более простая пища гораздо больше устраивает нас в качестве ежедневной.

Точно так же обстоит дело и с музыкой. Её разнообразие дарит нам богатство ощущений, но лишь определённые формы упорядочивают и стабилизируют наши чувства.

Томатис убеждён, что музыка Моцарта не имеет себе равных по способности вносить гармонию в человеческую душу. Он использует Моцарта, так как его произведения очищают лучше, чем любая другая музыка. В случае с Депардье был выбран именно тот набор вибраций, в котором его организм нуждался более всего.

По мнению Томатиса, произведения Моцарта представляют собой идеально сбалансированное музыкальное "блюдо", содержащее все необходимые компоненты.

Вольфганг Амадей Моцарт ребёнок, обладающий пророческим даром, писавший оперы, симфонии, концерты и сонаты для фортепиано, музыку для органа, кларнета и других инструментов прежде, чем ему исполнилось двенадцать лет, и, казалось, знавший, что ему суждено умереть молодым, оставил миру самые удивительные и гармоничные музыкальные вибрации, чью целительную силу
 

 

ещё предстоит оценить нам и нашим потомкам.

Любопытные факты

Монахи из монастыря Бриттани обнаружили, что коровы, получая вместе с кормами ещё и музыку Моцарта, дают больше молока.

В Канаде струнные квартеты Моцарта исполняются прямо на городских площадках, чтобы упорядочить уличное движение. Обнаружен и "побочный" эффект: в результате снизилось потребление наркотиков.

Могущество музыки Моцарта оказалось в центре внимания главным образом в результате новаторского исследования Калифорнийского университета в середине 90-х годов. Затем целый ряд учёных изучали влияние произведений Моцарта на умственный потенциал студентов и повышение их способности усваивать программный материал.

"Музыка Моцарта способна "отогреть" мозг", говорит один из исследователей. Он считает, что музыка Моцарта оказывает несомненно положительное влияние на процессы высшей мозговой деятельности, требующиеся для математики и шахмат.

После опубликования результатов этих исследований покупатели буквально смели с полок музыкальных магазинов произведения Моцарта. Однако определёнными эффектами обладает не только музыка Моцарта.

Романтическая музыка

Подчеркивает экспрессию и чувство, часто включает в себя темы индивидуализма и мистицизма, помогает вызвать симпатию, сочувствие, любовь. Примерами романтических композиторов могут служить Шуберт, Шуман, Чайковский, Шопен и Лист.

Джаз, блюз, диксиленд, регги

Эти формы музыки и танца могут поднимать настроение и вдохновлять, помогать разрядить слишком глубокие чувства. Они приносят с собой остроумие и иронию и способствуют укреплению чувства общечеловеческого единства.

Рок-музыка

Артисты, подобные Элвису Пресли, Роллинг Стоунз, Майклу Джексону, могут пробуждать страсть, стимулировать активное движение, уменьшать напряжение, маскировать боль. Однако, если человек не в настроении слушать подобные звуки, то могут возникнуть напряжение, диссонанс, стресс и даже болевые ощущения.

Религиозная музыка

Она дарит нам чувство покоя и духовной просветлённости. Помогает также преодолевать и облегчать боль.

 

Юмор. Музыкальные анекдоты.


- Кто написал Чардаш Монти?
- Да тот же, кто и Полонез Огинского!
                                   

 

    Здравствуйте!
    Меня зовут Жора. Хор, которым я руководил, все почему-то называли - Жоркин хор.
    А критики постоянно констатировали, что на безголосьи - и Жора соловей.
    И вообще, я за мир! Пора, наконец, перестать делить музыкантов на струйников и фортепьяниц, на инородников и буховиков, а также на гитарастов, виолончленистов и лиц, занимающихся басизмом! Будь ты студент или преподдаватель кайфедры, - быть Музыкантом - счастье!!! 
 

 

Идет передача по радио, диктор объявляет:
- А зараз для селян музычна програма "По вашим листам".
Затем щелчок, шипение и голоса:
- Мыкола, зыграй...
- Та не хочу!
- Hу, Мыкола, ну зыграй...
- Hе буду!
Так продолжается несколько минут, а затем голос диктора говорит:
- Вы слухали "Капрызы" Мыколы Паганини... 

 

Маленкий мальчик приходит на урок по специальности, открывает футляр скрипки, а там автомат! Учительница ошарашена:
- И что же это значит?!?...
Мальчик вздыхает:
- Наверное то, что мой папа в банк со скрипкой пошел...

 

- Ваше лицо мне чем-то знакомо! - сказал судья, глядя на подсудимого.
Подсудимый в надежде на снисхождение: - Да, ваша честь, я давал уроки игры на скрипке вашему сыну прошлой зимой...
- О, да! Вспомнил... Двацать лет!!!

 

- Чем отличается 1-й пульт альтов от 2-го?
- На пол тона. 
- А второй от третьего?
- На пол такта.

В каких условиях нужно хранить скрипку (влажность)

-

Если обращаться со скрипкой и смычком неправильно, они гибнут. Поэтому уход за скрипкой — тема очень важная. Здесь есть тьма различных нюансов и деталей, и лучше всех вам расскажет о них ваш скрипичный мастер.

А пока — самые общие моменты.

Помимо того, что скрипку нельзя выносить на мороз без футляра, нельзя держать ее в сырости, у батареи или- ну там, не знаю, бросать ее на пол:) и прочее в том же духе…) — есть и еще кое-что, не столь очевидное.

Важен уровень влажности в помещении, где хранится скрипка. Оптимальный уровень — 40-60 процентов. Если он ниже 40, то у скрипки могут рассыхаться деки, может даже упасть душка.

Пониженная влажность бывает очень часто, особенно у нас в России. Это связано с морозными зимами: мало того, что сухо на улице, еще в помещении шпарят батареи.

Поэтому важно предупреждать возможные проблемы со скрипичным здоровьем, замеряя уровень  влажности в помещении (это делается с помощью специального прибора — гигрометра) и увлажняя воздух.

Можно купить специальный увлажнитель воздуха и поставить его в комнате, где обычно хранится скрипка. Еще лучше — портативный вариант. Можно купить футляр со встроенным  увлажнителем (принцип тот же, что у хьюмидоров, в которых держат сигары), продаются даже увлажнители в виде трубок, которые засовывают внутрь инструмента (высокотехнологичный аналог банок с водой, которые ставят внутрь пианино; их выпускают под маркой Dampit). Скрипачи, играющие на инструментах с засунутыми туда демпитами, уверяют, что звук стал лучше, и я, пожалуй, к ним присоединюсь.

Из-за чрезмерной сухости воздуха инструмент может растрескаться. Чтобы этого избежать, внутрь скрипки помещают так называемый демпит — трубку, которая постепенно испаряет влагу. Хотя это относительно недавнее изобретение, принцип демпита музыкантам знаком:   есть старое народное средство, когда в пианино или под рояль ставят банки с водой.  Пользоваться им просто: намочить его в кипяченой воде, отжать, протереть, чтобы с него не стекала вода, и засунуть внутрь скрипки через эф (когда я сама это первый раз проделала, это оказалось совсем не так страшно). Производитель  предлагает использовать демпит и для того, чтобы удалить избыток влажности в воздухе внутри инструмента (это я пока не пробовала делать). В этом случае трубку надо не мочить в воде перед использованием,а наоборот, как следует высушить.                                           

Скрипка и волки

Взаимоотношения скрипачей с волками вовсе не ограничиваются сюжетами из волшебных сказок. Чтобы встретиться с волком, скрипачу даже не нужно идти в лес — иногда волк поджидает его прямо на скрипичном грифе.

Речь, правда, не о каждом грифе и не о каждом волке. Существуют скрипки с так называемыми «волчками» (про них еще говорят, что в них есть «волчья нота» или «волчий тон»; по-английски это будет wolf note и wolf tone). «Волчки» — это недостатки конструкции конкретного инструмента; говорят, в виолончелях они встречаются чаще, чем в скрипках. Из-за них на какой-нибудь определенной ноте скрипка неожиданно и неуправляемо начинает подвывать.

Но по-моему, со стороны эта штука звучит не очень-то похоже на соло под луной. Тут что-то помельче… Да, звук возрастает-затухает (повышается-понижается), но происходит это очень быстро. Нота словно двоится, происходит какое-то мелькание… То есть будто бы «волчок», но совсем в другом смысле (не как «маленький волк», а как игрушка, которая вертится).

Если убрать волка из скрипки нельзя, остается научиться с ним жить. Те, кто имел соответствующий опыт, перечисляют способы борьбы: эксперименты с подгрифником, эксперименты со струнами  и их комбинацией (надо пробовать более мягкие версии), эксперименты с канифолью, эксперименты со смычками (надо пробовать разные); меньше натягивать волос, вообще обращаться нежнее с «волчьей» нотой, нежнее извлекать ее из инструмента (правда, кто-то пишет как раз наоборот: увеличить нажим…). Еще существуют специальные приспособления — «волкодавы». Они продаются в муз. магазинах, но кое-кто говорит, что они давят не только «волков», но и звук.

Ясно, что «эксперименты» могут затянуться. Поэтому тем, кто хочет решить проблему проще и быстрее, лучше сразу обратиться к опытному скрипичному мастеру. Тем же, кто желает пойти самым длинным и сложным путем, придется для начала изучить основы физики и акустики, а заодно ознакомиться с тонкостями скрипкостроения.

P.S. Кстати, интересно, что раньше в истории музыки волки уже фигурировали — в контексте так называемых «волчьих квинт». Так назывались очень фальшивые квинты, которые возникали при старом нетемперированном строе.

Скрипичные руки-

А это совсем простая тема.

Даже писательницы бульварных романов знают, что такое руки музыканта: узкая ладонь, длинные, тонкие, нервные пальцы.

Любой человек на улице скажет вам то же самое. У музыкантов — особые руки (а еще у хирургов и карманников), и это прямо-таки бросается в глаза.

Однако у самих музыкантов (особенно у скрипачей) другая информация. Так называемые «скрипичные руки» — это когда ладошка не то чтоб очень узкая, а подушечки пальцев чуть помясистее, чтобы было, чем петь (звук, кантилена рождаются в содружестве смычка и обнимания пальцем струны).

Во всем остальном нужна золотая середина. Если совсем короткие пальчики — труднее играть какие-нибудь децимы (но кто-то дивным образом приспосабливается). Если совсем длинные — сложнее их убрать на гриф, их же куда-то надо девать! Если пальцы совсем костлявые — то см. выше: звук. Если совсем толстые — то опять-таки их сложней расположить на грифе, а в высоких позициях и совсем тяжело (ведь туда и нормальной толщины пальцы полностью не убираются, приходится хитрить, наступая пальцем на палец или быстро отпускать один палец, давая место другому).

Не слишком большие, не слишком толстые, не слишком тонкие, в общем не бросающиеся в глаза чуть-чуть пухленькие ручки — это, получается, как на живописных полотнах, где изображены ангелы, святые или, на худой конец, аристократы со скрипками.

Но тут надо сказать, что дошедшие до нас изображения и описания величайшего скрипача всех времен Паганини являют собой нечто прямо этому противоположное. Что же получается — итальянец обладал не скрипичными руками?..

.

Наверное, единственный верный ответ — что в действительности у всех руки разные, даже у музыкантов, а среди музыкантов — даже у скрипачей.

.

У кого-то лапки, как у Винни-Пуха.

У кого-то ладошка, как у эльфа.

А у кого-то лапища — как у паучища!!! И такое же лицо.

.

И мало того, что изначально у всех руки разные, так они еще иногда и меняются с возрастом, если ангелоподобные (или не очень) дети превращаются во взрослых толстых дядь и тёть. В этом случае раздобревшие пальцы надо как-то уместить все на том же, ничуть не изменившемся с годами грифе. (Или на клавишах: ситуация общая для всех музыкантов). И ведь умещают! Как? Доподлинно неизвестно, видимо опять придется всё списать на «ловкость рук и никакого волшебства». На чудеса приспособления.

Скрипичный аппарат

Под этим таинственным словосочетанием имеется в виду вовсе не какой-нибудь загадочный ржавый, страшный и таинственный агрегат вроде Гравицапы из фильма «Кин-дза-дза», купленный на черном рынке за страшные деньги и хранящийся дома у каждого приличного скрипача. Не научная фантастика какая-нибудь, не машина времени или вечный двигатель.

Аппарат этот и есть сам скрипач, а точнее его части, «настроенные» или «перенастроенные» таким образом, чтобы было ловко играть на скрипке.

Что за части такие? Собственно говоря, те же, что и у каждого человека. Смотрите в словарях:

-

ДВИГАТЕЛЬНЫЙ АППАРАТ

(…) Анатомо-физиологическая система. (…) За счет ее работы осуществляется построение и осуществление движения. Состоит из скелета, мышц, сухожилий, нервных центров и проводящих (афферентных и эфферентных) путей.

/ Психологический словарь. И.М. Кондаков. 2000 /

 

Вот что-то из этой серии — и есть наш «аппарат». Только наш еще посложней, и его надо еще заполучить.

А достается он и правда дорого, но платят за него не деньгами, а большим количеством времени, терпения, потраченными физическими и моральными силами. 

В процессе игры — за много, много «человеко-часов», и конечно же не без прямого участия педагога — само тело исполнителя* приспосабливается к задаче и формируется исполнительский аппарат: сложная и тонкая система.

Происходит это не только у скрипачей. Пианисты, духовики, ударники — каждый из них тоже вырабатывает, формирует** собственный исполнительский аппарат. Есть свой — вокальный (голосовой) аппарат — у певцов.

Хотя про «аппарат» и пишут словари, что это анатомо-физиологическая система, одной физиологией дело не ограничивается. Мышцы, связки и кости — это хорошо, но все-таки приводит их в движение, конечно, ум.

Тут надо сказать, что у ученых —  филологов, философов, математиков — тоже есть свой (научный) аппарат. Считается, что им тоже еще нужно овладеть, проводя в научных занятиях долгие часы.

Но если ученые могут это сделать практически в любой период жизни, то музыканты ограничены во времени: надо успеть «поймать» верные ощущения уже в самом раннем детстве, пока подвижны и восприимчивы, как пластилин, мышцы, связки, суставы и мысли.

Примечание : Часто говорят про «становление» или «постановку» аппарата. Наверное, последний вариант («постановка») менее удачен, ведь имеется в виду  не нечто статичное, а подвижная система. «Аппарат» не стоит, а работает. 

Волос

Волос в смычке скрипача — это не волос вовсе, а конский хвост.

Выбирают его тщательно. Считается, что лучше всего  для скрипичных целей хвосты северных белых коней (особенно сибирских).

(Впрочем, как мне рассказал смычковый мастер В. Дитковский, на самом деле всё намного сложней: «волос» одного и того же географического происхождения, одних и тех же фирм может быть совершенно разным по качеству).

В этом тонком деле важно всё: и состояние конского здоровья, и структура «волоса», и то, как «волос» вставит в смычок мастер.

Если всё сложится хорошо, хвост, служивший некогда своему парнокопытному хозяину для выражения эмоций, будет верой-правдой служить скрипачу для выражения эмоций музыкальных.

Но не долго.

Примерно через год, а может раньше или позже он перестанет цеплять струну как надо, и чтобы извлечь из него какой-нибудь звук, придется все больше канифолить, все больше давить на трость (что опасно для смычка и не очень-то полезно для скрипача), и надо будет «волос» поменять.

Новый «волос» тоже некоторое время практически не звучит, если не натирать его лошадиными дозами канифоли. Чтобы «разыграть» его, требуется время.

Поэтому обычно смену волоса делают заранее, а не за три дня перед концертом: коней на переправе не меняют, а также их хвосты.

  Синяк на шее

/ Очередная страничка с объяснениями, кто мы, скрипачи, такие и с чем нас едят =) /

Если увидите человека с характерным синяком на шее слева, знайте: перед вами не укушенный вампиром, перед вами всего лишь навсего скрипач.

Синяк возникает от трения скрипки (или, скорее всего, лапок подбородника) о кожу во время усиленных, зверских многочасовых занятий. От телосложения, темперамента и серьезности намерений музыканта зависит, насколько заметен будет этот синяк.

Кстати, это не единственная помета на теле скрипача, отличающая его от обычного гражданина.

У нашего брата чаще всего еще и более жёсткая кожа на подушечках пальцев левой руки. Это тоже не что иное, как профессиональные мозоли от ежедневных занятий. Мозоли тем сильнее выражены, чем больше музыкант занимается, играет на стальных струнах и увлекается леворучным пиццикато.

Поэтому многие из нас, если не планируют насладиться замешательством медперсонала, сразу протягивают для анализа крови из пальца правую руку.

Впрочем, что это у меня сегодня такие кровавые примеры…

Меня тут предупреждает одна коллега, что заботящиеся о своей внешности девочки, читающие эту страницу, могут испугаться и раздумать играть на скрипке — а то вдруг синяк на шее испортит красоту)))). Специально для этих девочек добавляю: синяка именно у вас может и не быть…))

Этикет на концерте классической музыки
(краткое руководство для потенциального слушателя,
который на таких концертах никогда не был
и боится ощутить там себя как на минном поле) 

 

Многие из тех, кто не был на классических концертах (но хотели бы), всё равно никогда туда не пойдут. Ни за что. Ни в жизни. Потому что «правил поведения» на таких мероприятиях им никто не объяснял. А меж тем люди чувствуют, что эти правила (негласные) там есть. Не попасть бы в дурацкое положение! Не влипнуть бы!

На самом деле всё не так страшно. Прежде всего потому, что остальные слушатели придут смотреть на артиста, а не на вас. Это уже дает слушателю (даже самому неопытному) некоторое преимущество перед артистом.

К тому же (для многих это окажется сюрпризом) концерт классической музыки – это вовсе не мероприятие в жанре «куда ты денешься с подводной лодки». Если вам будет дискомфортно, вполне можете удрать. Как это сделать технично, я расскажу на этой страничке.

 Лирическое отступление:

Вообще-то я против этого сложившегося этикета, считаю, что концерты надо проводить где-нибудь в горах под звёздным небом и забыть уже о том кодексе поведения, который был у наших предков в 18-19 веках. (Именно тогда в высшем обществе стало модно устраивать концерты, и манеры тогдашних дам и кавалеров – а заодно и одежда артистов — почему-то намертво прилипли к самому музыкальному мероприятию и так и остались без изменений, хотя воды-то с тех пор утекло — …).

Но в любом случае: пока существуют концерты классической музыки во всяких особняках, музеях, консерваториях и концертных залах, ничего не поделаешь, приходится на время принимать «правила игры».

 …Итак, краткое описание того, что обычно происходит на концертах. 

Начинается концерт, как правило, вечером, часов в шесть-семь, длится час-полтора (два, в крайнем случае), начинается иногда с небольшим опозданием, минут на пять-десять.

Если опоздал не концерт, а слушатель, ему лучше проникнуть в зал в перерыве между пьесами, во время аплодисментов. Сесть при этом желательно на ближайшее подвернувшееся место, стараясь не особенно привлекать к себе внимание.

Если слушателю нужно с концерта уйти, это тоже нужно будет сделать как можно более незаметно. Если вы просто демонстративно встанете с первого ряда во время игры и шумно утопаете по проходу между креслами – вы не только причините тяжкую душевную травму артисту, но и сами заполучите репутацию хама. Лучше заранее сесть куда-нибудь в такое место, откуда можно незаметно улизнуть – опять-таки между произведениями, «под шумок» аплодисментов. Идеальный вариант – прийти только на первое или только на второе отделение концерта, тогда ваше появление или исчезновение не будет замечено вовсе.

Разумеется, приходы-уходы людей во время концерта — исключение, а не правило. Странно выглядело бы, если бы ряды слушателей в процессе то пополнялись бы, то редели. И вообще, если вдруг из зала сбежит бОльшая часть слушателей, т.е. концерт начнется в полном зале, а закончится в полупустом, артист опять-таки получит тяжкую душевную травму, т.к. это будет значить одно: он играет так плохо, что никто не захотел остаться его дослушать даже из сострадания.

…О тишине. Телефоны, конечно, на время концертов надо отключать, чтобы не мешать одним людям играть, а другим – слушать. По той же причине во время концерта нельзя громко разговаривать (вполголоса перекинуться парой слов с соседом во время аплодисментов — можно). Нельзя также громко шуршать пакетами, демонстративно что-то грызть или жевать (а также призывно сморкаться, лающе кашлять, исступленно в голос зевать … впишите недостающее =))).

…Про аплодисменты. Тут множество условностей. Когда артист выходит на сцену, публика хлопает из вежливости, просто подбадривая, авансом (хотя, если артист знаменитый и публика его уже знает, то это хлопки не авансом, а за прошлые заслуги: бедняге артисту придётся потом весь вечер оправдывать доверие). Если артист капризничает (вариант: застрял в пробке) и долго не выходит, а время всё идет и идет, публика может периодически начинать хлопать и сама по себе – но это проявление нетерпения ничего особенно хорошего для артиста не означает.

Будем считать, что до этого дело не дошло, артист появился на сцене вовремя. Первым делом он кланяется – тоже из вежливости, приветствуя публику, а также в благодарность за аплодисменты. Возможно, потом он откроет рот и простым человеческим голосом расскажет, чего от него стоит ждать на концерте (либо за него программу вечера объявит специальный человек). Если этого не произойдет, в руках у слушателей должны быть программки, где будут напечатаны (в строгой последовательности) названия техпроизведений, что сыграет артист. Если в программе вечера произойдут изменения, публику об этом должны уведомить устно.

Да, ещё: перед игрой артист, вероятно, слегка настроит скрипку, но публика, конечно, сделает вид, что не слышит этого)). (Я же говорила, масса условностей…) Ну, конечно, злоупотреблять этим артист не должен, он должен иметь совесть и не завывать часами перед публикой, сладострастно ворочая колком.

По окончании каждой пьесы публика хлопает – тем громче и продолжительнее, чем больше понравилось и чем ближе к концу концерта. Тут есть сложность: в середине произведений, например между частями какой-нибудь сонаты, концерта, симфонии, аплодировать категорически воспрещается. Если кто-то нерешительно захлопает во время высокохудожественной паузы, снобы, сидящие на соседних рядах, непременно будут иронически оглядываться на этого человека. (Снобы неправы, но мы с этим ничего не можем поделать). Поэтому, пока у слушателя нет опыта и знания классического репертуара, лучше по своей инициативе вообще ничего не предпринимать, пока не убедишься, что хлопают все вокруг и (!) артист не против.

…В благодарность за аплодисменты артист снова, как правило, кланяется (это если у него нет бунтарских настроений, мыслей «упразднить аплодисменты» вместе с поклонами). Новая условность: кланяться он будет вынужден всё время, пока ему хлопают. (Это невыносимо скучно… и даже как-то обидно на это тратить время. Лично я обычно стараюсь это остановить).

…Собственно говоря, публика не обязана хлопать. Но если она не хлопает вообще после исполнения произведения и в зале висит напряженная тишина, это событие нехорошее. Это значит, что артист играл из рук вон плохо (тишина – худшее, чем современный русский слушатель может наказать артиста, поскольку свистки и метание помидоров, а также выкрикивание непристойностей с галёрки больше не применяются). Кстати, этот абзац чисто теоретический, на практике обычно не наблюдается.

…Цветы. Их покупать не обязательно. Ну да, знакомые артистов часто приходят на концерт с цветами – кто из лицемерной вежливости, а кто из искренней симпатии. Но даже знакомым можно прийти и без цветов. А тем более остальной публике. Разумеется, артист все равно будет цветам очень рад)), поскольку артисты подвержены такой особой болезни – они склонны измерять успех выступления количеством полученных букетов, а также продолжительностью и громкостью хлопков. (Мы-то с вами знаем, что это ерунда, но что поделаешь – болезнь есть болезнь).

Если уж пришли с букетом – будьте готовы к тому, что большая часть слушателей намерена дарить свои цветы ближе к концу концерта, начиная с конца первого отделения или, быть может, с середины второго. Количество дарителей будет неуклонно возрастать по мере приближения финала, особенно много людей с букетами направится к сцене после бравурных пьес. Но можно дарить цветы и после того произведения, которое вам в исполнении этого артиста очень сильно понравилось, даже если оно стоит первым в программе.

В любом случае цветы надо дарить тогда, когда артист всё еще находится на сцене и публика хлопает. Если вы пришли с букетом, но вместо артиста дарите этот букет соседке по креслу в первом ряду, артист опять-таки решит, что играет хуже всех и, чего доброго, прямо со сцены побежит вешаться.

…Если артист совсем уж вас привел в восторг, можете крикнуть браво. Чаще всего такое делается опять-таки после бравурных (быстрых, блестящих, громких, выигрышных) пьес. Но это опция для продвинутых пользователей, потому что и тут есть тонкости. Нельзя этого делать (так же как и хлопать) где-нибудь в середине произведения, приняв паузу за конец пьесы. И вообще тут надо тонко чувствовать момент. Люди, которые кричат браво хорошо поставленным голосом в самые удачные моменты – это профессионалы (они имеют очень большой опыт слушания концертов, а иногда, что уж греха таить, артисты сами заботятся о том, чтоб посадить в зал такого человека). Не стоит с ними тягаться. Кстати, некоторые из них кричат браво из чистого лицемерия, чего по их бодрому голосу и не поймешь.

…О лицемерии. В конце концерта дается еще некоторое время для аплодисментов; артист будет кокетничать, несколько раз уходить со сцены и возвращаться. Если ему по-прежнему хлопают, то он должен сыграть бис (при этом все отлично понимают, что это тоже кокетство: хочет того публика или нет, артист ей бис впарит в любом случае). Дверь, закрывшаяся в артистическую после продолжительных аплодисментов и нескольких бисов, означает финита ла коммедиа, можно расходиться. Впрочем, начать расходиться можно и до того, например если аплодисменты, недолго продержавшись, робко стихают, как грибной дождик в летний день.

…Да, еще чуть-чуть об аплодисментах. Сильно довольная публика иногда (в конце концерта, как правило), не сговариваясь, начинает аплодировать чуть медленнее, в определенном ритме, словно скандируя (такие аплодисменты – своеобразный ритмический аналог выкрикам спортивных болельщиков: «мо-лод-цы!», только публика на классических концертах ограничивается собственными ладонями и ничего не кричит). Это чревато для артиста многочисленными выходами «на поклон» и, вероятно, настоящим, не предусмотренным в программе бисом.

…Овации и рёв публики (а также когда публика хлопает стоя) – пункт в программе необязательный. С молодыми талантливыми артистами, не имеющими пока веса в классическом муз. мире, это случается редко, что позволяет предположить, что здесь публика тратит силы на артиста не столько за то, что он дал ей на этом конкретном концерте, сколько воздавая ему должное за все его предыдущие заслуги и – чего уж греха таить — за те звания, которые присвоили ему чиновники. Нет, публика не дура (вопреки обидной поговорке, которая давно уже в ходу у музыкантов), но, наверное, человеческая психология устроена так, что известному музыканту все-таки хочется похлопать подольше, чем неизвестному, знаменитому подольше, чем не знаменитому, а перед совсем знаменитым и маститым можно и встать.

Артистическая. Это то место, где находится артист до, после концерта и во время антрактов. Как правило, артистическая примыкает к сцене, непосредственно оттуда выходит и туда уходит артист.

После концерта некоторые люди из публики (продвинутые) совершают рейды в артистическую, так что это помещение превращается в подобие великосветского салона. Возле артиста может образоваться очередь из желающих его поздравить и сказать ему (в прямом смысле, разумеется) пару ласковых.

Артисты люди мнительные (ну, это вы, наверное, уже поняли, раз дочитали досюда); они, конечно, будут ждать комплиментов, если уж вы подойдете к ним после удачного концерта. (Между прочим: удачный был концерт или неудачный – это сразу понимают все: и разбирающаяся в классике публика, и не разбирающаяся, а лучше всех сам артист). Но можно и не подходить, даже если вы полны радостных чувств: расскажете о них артисту позже, на следующий день по телефону. Причем не важно, что именно вы скажете – главное, чтобы это было искренне.

А вот если вам не понравилось – не пытайтесь изо всех сил уверить артиста (и себя) в обратном, стоя перед ним с лицом as long as a fiddle. Вообще вам вполне может не понравиться, даже если артист чистой воды гений (см.: Особенности восприятия). А фальшь в ваших словах музыкант распознает сразу – он только что играл на сцене и все его чувства, вместе с интуицией, все еще обострены до предела. Просто поздравьте/поблагодарите человека в общих словах. Если концерт прошел неважно (что тоже бывает, даже с великими музыкантами), так и тем более не надо устраивать цирковых номеров с комплиментами и ложью во спасение, не мучайте ни себя, ни других.

Ну и напоследок две вещи. Какого-то специального дресс-кода для концертов более не существует. В наши дни от публики не ждут маленьких черных платьев и смокингов. Можно одеться слегка элегантнее, чем обычно, но и джинсы в большей части случаев вполне сойдут. (Званых приемов, маскирующихся под концерты классической музыки, специальных сессий для новых русских в Большом зале, посещения персональных лож на открытии сезона в Ла Скала и прочих мероприятий мы не касаемся, поскольку туда приходят не столько слушать музыку, сколько себя показать).

…А вообще, лучше и не думайте ни про какой этикет. Если вам симпатичен артист и интересно то, что он делает, вы автоматически будете «правильно» себя вести. И даже если «неправильно», ничего страшного, ваша искренность ценнее правил. А вот если артист вам несимпатичен (в чем вы уже имели возможность убедиться), да и вообще вы с детства ненавидите музыку (…) – тогда другое дело. Тогда всё просто: не надо ходить на концерты. И никакого этикета.

Кто и когда назвал Эйнштейна великим скрипачом?

Эйнштейн любил играть на скрипке и однажды принял участие в благотворительном концерте в Германии. Восхищённый его игрой местный журналист узнал имя «артиста» и на следующий день опубликовал в газете заметку о выступлении великого музыканта, несравненного виртуоза-скрипача, Альберта Эйнштейна. Тот сохранил эту заметку себе и с гордостью показывал её знакомым, говоря, что он на самом деле знаменитый скрипач, а не учёный.

 

 

Что случилось с изобретателем роликовых коньков на первой их демонстрации?

Изобретателем роликовых коньков принято считать бельгийца Жан-Жозефа Мерлена. Он продемонстрировал их на лондонском бале-маскараде в 1760 году, катаясь среди публики в дорогих туфлях с маленькими металлическими колесиками и играя на скрипке. Однако эти ролики были ещё настолько несовершенны, что Мерлен не смог вовремя затормозить и врезался в стену, разбив очень дорогое зеркало.              

***

Антонио Страдивари начал учиться у знаменитого мастера Николо Амати в двенадцать лет, а уже в тринадцать изготовил свою первую скрипку. Последнюю скрипку мастер сделал незадолго до смерти – в девяносто три года. Всего Страдивари изготовил 1500 инструментов.

***

Итальянские мастера для изготовления скрипки использовали три вида дерева: клен, ель и эбеновое (черное) дерево. В зависимости от свойств дерева, из него изготавливались различные детали инструмента. К примеру, гриф – из черного дерева, которое благодаря своей жесткости и прочности (кстати, оно тонет в воде) имеет максимальную устойчивость к износу от струн.                                                                                       ***     

До сих пор не существует аппаратуры, которая могла бы синтезировать звучание скрипки.

***        

Почему Шерлок Холмс и Эйнштейн выбрали именно этот музыкальный инструмент? (Шерлок Холмс - Ливанов) Занятия скрипкой отлично развивают мозги.

 Играя на скрипке какую-нибудь (даже самую невинную) пьесу, человек может случайно решить некую сложную интеллектуальную задачу, на первый взгляд никак не относящуюся к скрипке и вообще к музыке.

Это свойство скрипки прекрасно было известно Шерлоку Холмсу.

Согласно Конан Дойлу, сыщик играл на скрипке, когда ему надо было что-то обдумать.                                                                                                                                                                                                                   Скрипичная тема проходит через многие холмсовские сюжеты. Скрипка — настолько важный момент в биографии легендарного (хотя и вымышленного) сыщика, что без нее не обошелся даже музей на Бейкер-стрит в Лондоне: среди прочих экспонатов там хранится «скрипка Холмса»Музей Шерлока Холмса был бы невозможен без скрипки, не  только вымышленным, но и реальным интеллектуалам скрипка помогала решать сложнейшие задачи.

Пожалуй, самый известный физик — Эйнштейн — был страстным скрипачом. Он не раз говорил о том, что если бы он не занялся наукой, то наверняка стал бы музыкантом. Занятия скрипкой он не оставлял всю жизнь, играя сонаты и квартеты попутно с совершением открытий в науке.

Значение этих скрипичных занятий, на первый взгляд не связанных с идеями и теориями Эйнштейна, огромно; мы просто не можем оценить его как следует, потому что наши знания в том, что касается связи вещей друг с другом, пока ограничены.

Но уже сейчас говорят о том, как скрипичный способ мышления повлиял на то, как Эйнштейн действовал в науке; сам ученый  не раз повторял: лучший способ объяснять физику — делать это, пользуясь терминами из мира музыки. (Вот, кстати, и еще один прекрасный пример того, что не надо разделять «физиков» и «лириков» и что одно на самом деле не мешает, а помогает другому).    

Скрипка в жизни великих людей.

Некоторые русские писатели и поэты тоже умели играть на скрипке. Например, Иван Андреевич Крылов, живший в первой половине XIX века. Известный поэт, драматург и баснописец. В детстве Крылов проявлял хорошие музыкальные способности и быстро выучился игре на скрипке и даже освоил музыкальную теорию. Его учителем был знаменитый в то время скрипач Луиджи
    Михаил Юрьевич Лермонтов тоже умел играть на скрипке! Вообще Лермонтов был музыкально и художественно одарённым человеком. Он играл не только на скрипке, но и на фортепиано, пел и сочинял музыку на собственные стихи, очень любил рисовать с натуры. 
    Ещё один русский писатель, основоположник советской научно-фантастической литературы, Александр Романович Беляев, тоже играл на скрипке. Известно, что Беляев всегда был увлекающейся натурой. Особенно его увлекала музыка. Он обучился играть на скрипке и на рояле самостоятельно. Мог музицировать часами! 
    Но не только великие писатели играли на этом замечательном инструменте! Возьмём к примеру Бенито Муссолини. Он признавался в частных беседах, что плохо играет на скрипке, но это даёт ему отличную возможность расслабиться. Он говорил об этом так: «Чтобы давать народу мудрые законы и управлять массами, нужно быть немного людьми искусства». Несколько лет назад его скрипка была продана на аукционе в США за 15 тысяч евро! 
    Есть ещё один очень интересный человек, всесторонне развитая личность- Рихард Кун. Он получил Нобелевскую премию по химии, был успешным футболистом, входил в состав команды «Австрия», играл на скрипке в Венском симфоническом оркестре, что говорит о его высочайшем мастерстве! И ещё владел в совершенстве 6 европейскими языками. 
    Так же любителей-скрипачей можно встретить и среди актёров и режиссёров. Орсон Уэллс, к примеру, американский режиссёр, сценарист и актёр, с детства играл на скрипке и рояле. К тому же он был концертирующим музыкантом-вундеркиндом. А это говорит о его высоком уровне исполнительства! 
    Знаменитый актёр Рассел Кроу рассказывал, что для съёмок фильма «Хозяин морей: На краю Земли» ему специально пришлось учиться играть на скрипке! Похожая ситуация произошла и с Егором Бероевым. Ему пришлось учиться играть на скрипке пятую симфонию Шостаковича перед съёмками фильма «Папа». Как говорит сам актёр, «скрипка никак не хотела подчиняться». Поэтому в основном Егор просто имитировал движения игры. «А так, надо всю жизнь посвятить скрипке, чтобы научиться на ней играть»- говорил Егор. 
    Все эти примеры говорят о том, что при большом желании на скрипке может научиться играть практически каждый человек. И не важно какой профессии и в каком возрасте! Эти люди действительно достойны восхищения. Ведь они в очередной раз доказали миру, что человеческие возможности безграничны и нет ничего невозможного!

Александр Константинович Глазунов родился 10 августа 1865 года в Петербурге. Рос в благожелательной и культурной среде. В 13 лет играл на фортепиано, скрипке, виолончели.

 

Никколо Паганини родился 27 октября 1782 года в Генуе, в семье мелкого торговца, любителя музыки. Первоначальные навыки игры на мандолине и скрипке приобрёл под руководством отца. 

Леонардо да Винчи /Кто в страхе живет, тот и гибнет от страха./ — Леонардо первым объяснил, почему небо синее. В книге «О живописи» он писал: «Синева неба происходит благодаря толще освещенных частиц воздуха, которая расположена между Землей и находящейся наверху чернотой» — Леонардо был амбидекстром — в одинаковой степени хорошо владел правой и левой руками. Говорят даже, что он мог одновременно писать разные тексты разными руками. Однако большинство трудов он написал левой рукой справа налево — Он виртуозно играл на лире. Когда в суде Милана рассматривалось дело Леонардо, он фигурировал там именно как музыкант, а не как художник или изобретатель. — Леонардо первым из живописцев стал расчленять трупы, чтобы понять расположение и строение мышц. — Леонардо да Винчи был суровым вегетарианцем, и никогда не пил коровье молоко, так как считал это варварством.

Анри Матисс /Цветы цветут всюду для всех, кто только хочет их видеть./ — В 1961 году, картина Анри Матисса «Лодка» (Le Bateau), выставленная в Нью-йоркском Музее современного искусства, провисела вверх ногами сорок семь дней. Картину вывесили в галерее 17 октября, и лишь 3 декабря кто-то увидел ошибку. — Анри Матисс страдал от депрессии и бессонницы, иногда рыдал во сне и просыпался с воплями. Однажды без всякой причины у него вдруг появился страх ослепнуть. И он даже научился играть на скрипке, чтобы зарабатывать себе на жизнь уличным музыкантом, когда потеряет зрение. — Многие годы Матисс жил в нужде. Ему было около сорока, когда он, наконец, смог самостоятельно обеспечивать семью. — Анри Матисс никогда не рисовал в картине скал, четких кристаллов домов, обработанных полей. — За последние 10 лет жизни, ему был поставлен диагноз рак двенадцатиперстной кишки, и ему пришлось остаться в инвалидной коляске. 

 

Вице-премьер-министр Украины, председатель Днепропетровской областной организации Партии регионов Александр Вилкул во время презентации Марафон детского творчества «Діти єднають Україну» признался, что в детстве он серьезно увлекался шахматами, а также играл на скрипке и даже немного танцевал, как того хотела его мама.

Владимир Спиваков в детстве  мечтал стать инженером, увлекался живописью, получил разряд по боксу, но в итоге мир получил гениального скрипача, ставшего гениальным дирижером. "Мама рассказывала, что когда она играла польки, я, едва научившийся стоять, подскакивал, а когда играла вальсы - раскачивался в своей кроватке", - цитируются слова Спивакова на его сайте

Мать часто брала сына с собой в музыкальную школу, запрещая вахтеру выпускать его. И он часами ходил из класса в класс, слушая игру на всевозможных инструментах. А в 7 лет сам начал заниматься музыкой. Первым его инструментом стала виолончель, но через две недели он попросил инструмент полегче - и получил скрипку.

Отец юного музыканта при возможности приходил к сыну на уроки, все очень скрупулезно записывал, а потом дома с ним занимался: клал на стол коробок спичек, и за время урока нужно было этот коробок опустошить. Один пассаж - одна спичка. А потом коробок надо было снова заполнить в обратном порядке. Лишь когда все спички опять были в коробке, занятие заканчивалось.

 

Леонид Коган родился в Днепропетровске 14 ноября 1924 года. «Заниматься на скрипке я стал совершенно случайно, — рассказывал музыкант. — Мои родители не были музыкантами. Отец был фотографом, он играл на скрипке. В детстве она привлекала меня необычностью формы и удивительными звуками.

Когда мне было три года, я не ложился вечером спать, если рядом со мной не клали скрипку. В пять лет я уже пробовал сам играть на ней, но дотянуться левой рукой до шейки инструмента, как это делал отец, не удавалось. И это меня страшно злило. После долгих моих просьб родные купили мне маленькую скрипку, что было для меня огромной радостью. Вскоре я начал заниматься. Однако мои радужные мечтания быстро научиться играть вскоре рассеялись. Оказалось, что это очень трудно.

Помню, к третьему уроку мне уже настолько не хотелось заниматься, что я отказался идти к педагогу. Но тут уже решительно запротестовали родители и настояли, чтобы я продолжил учебу. Первые два месяца я мог играть подряд не более пяти минут, руки наливались свинцом, голова была еще тяжелее».Большую роль в развитии таланта мальчика сыграл А. И. Ямпольский, прививший ему любовь к труду, к сложному искусству игры на скрипке.

Ян Френкель родился 21 ноября 1920 года в Киеве. Учился игре на скрипке под руководством отца. Окончил Киевскую консерваторию по классу скрипки у Якова Магазинера. В годы войны в эвакуации учился в Оренбургском зенитном училище и играл на скрипке в оркестре кинотеатра «Аврора»

Муслим Магомаев вырос в семье кузнеца-оружейника, где любили музыку. Очень одаренным был старший брат  Магомет, прекрасно игравший на гармони и флейте. Во время учебы в Грозненской городской школе он даже руководил ученическим оркестром. Магомет и приобщил младшего брата к музыке: Муслим рано стал играть на восточной гармони. Потом, тоже поступив в Грозненскую городскую школу, он научился там играть на скрипке, участвовал в школьных концертах. 

Антуан де Сент-Экзюпери - В детстве он был мечтателем, сочинял стихи, рисовал, учился играть на скрипке, но увлекался и техникой, машинами.

Марк Шагал - В детстве Марк, как все мальчишки, купался в реке, сражался в пёрышки и городки и лазил по крышам, но уже тогда проявились его многочисленные таланты. Он пел в синагоге, играл на скрипке, тайком писал стихи. В гимназии Марк неожиданно увлёкся рисованием, начал копировать картинки из популярного журнала «Нива». И однажды твёрдо заявил матери: «Я хочу быть художником». Он так настаивал, что родители в конце концов разрешили ему учиться в художественной школе витебского живописца Иегуды Пэна.

 

Антуан де Сент-Экзюпер

Антуан де Сент-Экзюпери

АнтуаАнтуан де Сент-Экзюперин де Сент-Экзюпери

Галилео Галилей родился в семье музыканта и композитора Винченсо. Суля сыну обеспеченное будущее, Винченсо Галилей практически заставлял его ежедневно брать уроки музыки. Кто знает, возможно это насилие и подтолкнуло Галилео увлечься кардинально иной сферой - математикой и физикой. 

Выпускник медфака Киевского университета Борис Соломонович Шкляр (1896-1961) был одним из основателей Винницкого медицинского института, много лет заведовал там кафедрой, получил широкую известность в Украине, завоевал огромный авторитет среди коллег-ученых и пациентов. Профессор был прекрасным терапевтом, педагогом и лектором, интересным собеседником, играл на скрипке, рисовал, писал стихи. 

 

Величайший скрипач двадцатого века Яша (Иосиф) Хейфец родился 2 февраля 1901 года в Вильнюсе в семье выходцев из Полоцка Хайи и Рувима Хейфецев. В то время Вильнюс был провинциальным городом Российской империи.

Талант Хейфеца проявился очень рано. Позже он писал о себе: «Хочу, чтобы моя биография была короткой: родился в России, первый урок – в 3 года, первый концерт – в 7, дебют в Америке – в 16 лет».

Первым учителем музыки Яши был его отец – народный музыкант (клезмер), игравший на различных мероприятиях. С четырёх лет он стал учиться в музыкальной школе у Элияха (Ильи) Малкина - ученика знаменитого Леопольда Ауэра. Как указано в автобиографии Хейфеца, первый его концерт состоялся в 1908 году в Вильнюсе. В музыкальной школе Яша учился четыре года.​​​​​​​​​​ Яша Хейфец играл на скрипке Гварнери 1742 года, ранее принадлежавшей П.Сарасате.

 

Михаил Казиник - скрипач, поэт, писатель, педагог, теле- и радиоведущий, режиссер... В этом необычном человеке переплелось такое множество талантов, что сегодня трудно сказать, что в нем доминирует. Неугомонность творческой натуры не позволяет ему стоять на месте. Михаил Семенович Казиник постоянно путешествует, едва ли не каждый день, открывая для себя новые уголки мира, новых людей, новые грани искусства и новые формы общения. 

 

Олег Лундстрем. "Инженер, свихнувшийся на джазе". 

Как много в нашей жизни значит случай! Кто бы мог подумать, что, покупая в Харбине пластинку с музыкальной пьесой Дюка Эллингтона, 14-летний Олег выбрал свою судьбу.

Вряд ли кто из его близких предполагал, что мальчик станет всемирно известным музыкантом, причем в таком экзотическом для русской культуры направлении, как джаз. Да, в доме Леонида Францевича Лундстрема, как в каждой интеллигентной семье, часто звучала музыка - Бах, Бетховен, Чайковский, Олег с детства играл на скрипке, но прочили ему совершенно иное будущее.

​​​​​​​​​​

Искренний, веселый, по-детски наивный. Таким остался Йозеф Гайдн в памяти своих современников. Его называли добродушным дедушкой с карманами, набитыми конфетами (в музыкальном смысле) для детей (то есть, публики).

Благонадежный гражданин и чиновник, мягкий и в то же время суровый наставник, благородный маэстро в напудренном парике, в длинном фраке с жабо и кружевными манжетами, в башмаках с пряжками – все это отображается в его музыке.

От своих учителей он с детства получал больше шлепков, нежели «лакомых кусочков». Зато талантливый маленький музыкант быстро стал известным в своей округе, неподалеку от Вены. Он не только играл на скрипке и других музыкальных инструментах, но и хорошо понимал латинский, пел в церковном хоре в городе Хаймбург.

Синити Судзуки писал о себе: «Я начал учиться играть на скрипке, когда мне уже исполнилось семнадцать лет, и столкнулся с тем, что мизинец меня не слушался. Когда я брал ноту мизинцем, вибрато было невы¬разительным, и этот недостаток исполнения был очевидным для всех. Я изо всех сил старался, чтобы мизинец функционировал не хуже осталь¬ных пальцев, и практиковался ежедневно на про¬тяжении многих лет. Но даже сейчас, по проше¬ствии сорока лет, он все еще не достиг нужного уровня. Если мы не тренируем какой-то навык в детстве, когда организм еще растет, то впослед¬ствии достижение этого навыка будет связано с потом и болью. Для меня это стало особенно ясно, когда я начал учить музыке детей в возрас¬те четырех-пяти лет. Их мизинцы тренируются наравне с другими пальцами, и я с завистью наблюдаю, с какой легкостью и точностью они используются». 

 Согласно постулату Синити Судзуки, «принуждение – худший способ обучения». Согласно его методу ребенок должен сам сказать: «Я тоже хочу».

«Вначале доктор Судзуки позволяет детям делать всё, что они хотят, но не допускает их близко к скрипке. Очень скоро маленький ученик успокаивается и с удовольствием наблюдает, как играют другие дети. В течение двух-трёх месяцев ребёнок хорошо запоминает всю пьесу, которую играет его товарищ, и вот уже ему тоже хочется попробовать. Учитель ждёт, чтобы нетерпение ребёнка достигло апогея и только тогда даёт ему первый урок. Период подготовки у всех детей разный. Самый долгий – 6 месяцев».

  • Белая иконка facebook
  • Иконка Twitter с прозрачным фоном
  • белая иконка flickr
bottom of page